從LSF54談聲音藝術的宿命——在成為光的祭獻之後

文╱賴駿杰

我應該可以這樣說，失聲祭第54場（L54）為我們揭露了聲音藝術「再定義」的必要。「失聲祭」除了提供聲音藝術發表的場所外，我相信更重要的是，藉由其中之「各種差異」持續地進行聲音藝術的「定義」。講述聲音藝術是什麼，如同試圖定義視覺藝術般是種苛求，或許我們應該採取當代流行的逆向策略，只消問「什麼不是聲音藝術」即可。讓我妄為地替其下一個排除性定義：「非人為技藝而生的聲音，即便再怎樣好聽，都不是聲音藝術」。姑且不論這定義的嚴謹性，在此我顯然將聲音藝術與視覺藝術進行了無數次的對比，以區分並界定我所能接受、感受為藝術展演的各種聲光表演，並且形構了一種光譜式解讀架構：從視覺藝術到聲音藝術（反向亦同）。以此光譜式理解為基礎，我試圖透過L54的「小例示」，除了討論兩位藝術家的演出之外，亦希望藉此再示視覺藝術與聲音藝術的宿命糾結。


展演題稱為「詩聲」（Poetics of Sound），英文卻是「聲（之）詩」？題稱暗示了聲音的詩學，再搭配上充滿詩意的創作論述，讓聽者期待感受到屬於純粹聲音的演示，特別是一種可以閉上眼感受、位於光譜一端的純淨。然而，首位表演者李柏廷利用四聲道喇叭，搭配蒐集自日常生活的聲音材料，如：捷運站、車子、喇叭等環境音，創造我們可以名之為「聲音座標」的環境音場，聲音不再純粹，而具有一種類同視覺符指的指示作用：聽者在黑暗的環境中，由聲音的反饋感受自身的存在，而環境音的錯置與亂入，不也演示了一場聲音的蒙太奇？而以音場變換展示空間的移動，不也跟視覺藝術創作傳統所服膺的「透視觀」一樣，努力地挖掘、破壞、重建空間的深度？

矩陣兄弟則編寫了一套軟體，藝術家透過滑鼠的即興拉扯，並將拉扯過程透過投影屏幕讓觀者看見，藝術家的「全知」主體透過屏幕影像的改變而被宣稱：你╱妳們現在我看到、聽到的，是「我」所創造。對照數位影像概念，如果數字成像中最關鍵的可操縱變項（弔詭地，也是「結果」），我們稱之為「像素」（pixel），那矩陣兄弟所操弄的聲音拉扯可以被稱為什麼？音韻學中將「可改變語義」的最小單位稱作「音位」（phoneme），音位的改變主導著語義的可否辨認，而且視語言系統的不同而有所區異。相對地，「音素」（sound element）則可以是跨語言的聲音單位。在此藝術家意圖戲耍、調度的並非有意義的「語言」，而是於其中導入了創作者個人的情緒、情感等無表意作用之「聲音」，甚至真正的噪音。詭譎之處在於，我們怎麼能透過已被「程式」層層編碼、轉譯後的聲音，進而感受藝術家個人的位置與情緒起伏？或許，投影屏幕上的示像化圖表，才真正說明了一切：這不是一個聲音藝術。

回頭來看，我相信表演者真正想傳達的應該是「詩（學）的聲音」，一種關於「人間感受」的自我探詢。事實上，這兩位表演者都未曾滑移至光譜最純淨的一端，在一定程度上皆與視覺藝術站在同一陣線。這不是說聲音藝術必須與「觀看」切分清楚，並且應拒斥視覺的制域，才有其「藝術性」。然而，在「光」已充分構築世界（時間與空間）之後，「聲音」如何能於其中脫穎而出，擺脫視覺藝術的從屬位置，從「光的祭獻」中找回失落的聲音，我認為或許才是當務之急。